Mundo Lateral – Arte y cultura

Amor, sexo y posesión

by admin | 4:54 pm

Entender las diferencias y relaciones entre el sexo, el amor y la relación de pareja es clave para desarrollar relaciones más conscientes, satisfactorias y saludables. Aunque estos tres conceptos están interconectados y suelen coexistir en una relación romántica, cada uno tiene características y funciones distintas. A continuación, te explico en detalle las diferencias y relaciones entre ellos, teniendo en cuenta los factores emocionales, psicológicos, y biológicos que intervienen en cada caso.

1. Sexo: Placer, Biología y Conexión Física

El sexo se refiere, en términos generales, a la expresión física de la intimidad a través de la actividad sexual. Esta puede implicar una serie de prácticas físicas que pueden variar ampliamente y que tienen como finalidad el placer, la reproducción o la conexión íntima entre personas. La actividad sexual genera una fuerte respuesta física, que incluye la liberación de hormonas como la dopamina y la oxitocina, sustancias que crean sensaciones de placer y apego, respectivamente.

Desde el punto de vista evolutivo, el sexo ha jugado un papel crucial en la reproducción y en el fortalecimiento de los lazos entre parejas. Sin embargo, no siempre tiene un componente romántico o de apego: el sexo puede ser una experiencia únicamente física, sin que implique necesariamente una relación de pareja o un vínculo amoroso. Muchas personas pueden tener encuentros sexuales casuales, en los cuales no hay amor ni un compromiso a largo plazo.

Diferencias clave del sexo:

Placer físico: Satisfacción sensorial y sexual.
Liberación de hormonas: Dopamina, endorfinas y oxitocina, que producen placer, bienestar y, en algunos casos, apego.
No siempre implica amor o compromiso: Puede ser una actividad aislada del amor o de la relación de pareja, como en los casos de encuentros casuales o relaciones abiertas.

2. Amor: Emociones, Apego y Compromiso

El amor es un concepto más abstracto y complejo que el sexo. Aunque cada persona puede experimentar el amor de manera distinta, en el contexto de las relaciones de pareja, suele implicar sentimientos profundos de apego, cuidado y afecto hacia otra persona. El amor romántico tiene componentes emocionales (cariño, ternura) y cognitivos (pensamientos de compromiso y planificación a futuro).

Existen diversas teorías sobre el amor. La teoría triangular del amor de Robert Sternberg, por ejemplo, describe el amor como la combinación de tres elementos: la pasión (deseo y atracción física), la intimidad (cercanía emocional) y el compromiso (la decisión de mantener la relación a lo largo del tiempo). La intensidad de estos tres componentes varía de pareja a pareja, y según la teoría, la combinación de todos ellos crea un tipo de amor completo.

El amor, por tanto, no se trata solo de una conexión física, sino que incluye el deseo de cuidar a la otra persona y compartir un proyecto de vida. Esto no significa que el amor siempre dure para siempre; las relaciones amorosas también pueden evolucionar, cambiar o incluso finalizar.

Diferencias clave del amor:

Implica emociones profundas: Afecto, cuidado y apego.
Puede llevar al compromiso: Decisión de mantener una relación estable.
Abarca la dimensión psicológica: Incluye un vínculo más allá de lo físico, que se traduce en pensamientos de futuro y conexión emocional.

3. Relación de Pareja: Estructura, Apoyo y Compromiso Mutuo

La relación de pareja es la estructura o el acuerdo en el que dos personas se comprometen a compartir aspectos de sus vidas. Una relación de pareja puede basarse en el amor romántico, en la atracción sexual, o en ambos, pero también puede estar impulsada por otros factores como la amistad, el respeto y el apoyo mutuo. Las relaciones de pareja pueden tener diferentes formatos, desde el noviazgo hasta el matrimonio o las relaciones abiertas. Cada tipo de relación de pareja establece sus propias normas, acuerdos y niveles de compromiso.

Una relación de pareja saludable suele implicar comunicación, respeto y un esfuerzo mutuo por fortalecer el vínculo. Al compartir una vida juntos, las parejas no solo comparten la intimidad física y emocional, sino también metas, valores y responsabilidades. En la relación de pareja pueden aparecer desafíos como los conflictos y las diferencias individuales, pero estos pueden superarse mediante la comunicación y el compromiso.

Diferencias clave de la relación de pareja:

Estructura de convivencia: Los miembros se comprometen en una relación formal o informal que incluye acuerdos específicos.
Abarca la intimidad emocional y la vida cotidiana: Involucra la convivencia y apoyo mutuo en diferentes aspectos de la vida.
Compromiso a largo plazo: Aunque no todas las parejas lo logran, las relaciones de pareja buscan generalmente estabilidad y desarrollo en conjunto.

Relaciones Entre el Sexo, el Amor y la Relación de Pareja

Aunque estos tres conceptos son distintos, en una relación ideal, el sexo, el amor y la relación de pareja se entrelazan de manera armónica. La presencia de amor en una relación de pareja puede intensificar la satisfacción sexual, y una vida sexual satisfactoria puede fortalecer el amor y el compromiso. Sin embargo, cada uno de estos elementos puede existir sin los otros. Por ejemplo, existen relaciones de pareja sin componente sexual (como las relaciones asexuales) o relaciones basadas en sexo casual sin que haya amor o compromiso.

En el caso de las relaciones de pareja en las que hay amor y sexo, los tres componentes interactúan para fortalecer el vínculo y crear un espacio de seguridad y bienestar. Este tipo de relaciones suelen experimentar lo que muchos consideran una «intimidad completa», ya que involucra tanto la conexión física como la emocional y el compromiso. Sin embargo, la ausencia de uno de estos elementos no implica necesariamente que la relación sea disfuncional; las necesidades y expectativas de cada pareja varían ampliamente.

Datos fascinantes sobre el Partenón

by admin | 12:50 pm

El Partenón es una fascinante pieza de arquitectura. Este magnífico templo en la Acrópolis de Atenas ha sido sacudido por terremotos, incendiado, destrozado por la explosión de pólvora, saqueado por sus impresionantes esculturas y desfigurado por esfuerzos de preservación equivocados, pero sorprendentemente sigue en pie después de casi 2.500 años. A pesar de que el Partenón no presentó avances de ingeniería en la construcción de edificios, sus convenciones estilísticas se convirtieron en el paradigma de la arquitectura clásica y han seguido influyendo en la arquitectura.

Durante su apogeo, el Partenón jugó un papel clave en la vida ateniense, como templo, obra maestra artística y símbolo nacional, pero con el tiempo la importancia del monumento superó las estrechas fronteras de su país y del mundo de la arquitectura. El Partenón se convirtió en el símbolo de la antigüedad y de la “edad de oro de Atenas”, donde nació la democracia. Sin embargo, a pesar de ser uno de los monumentos culturales más grandes y más vistos del planeta, que atrae cada año a millones de turistas de todo el mundo, no muchos conocen sus secretos. Así que siéntate y relájate, porque estás a punto de conocer una verdadera maravilla de la antigüedad:

A lo largo de la historia , la relación entre el largo y el ancho de los rectángulos de 1,61803 39887 49894 84820 se ha considerado la más agradable a la vista. Esta proporción fue denominada proporción áurea por los griegos. En el mundo de las matemáticas, el valor numérico se llama “phi”, en honor al escultor griego Fidias, quien utilizó ampliamente la proporción áurea en sus esculturas. Las dimensiones exteriores del Partenón forman un rectángulo dorado perfecto y se cree que el Partenón fue construido con dimensiones extremadamente precisas de acuerdo con esta proporción matemática de geometría sagrada.
De 1801 a 1803, los turcos (que controlaban Grecia en ese momento) vendieron partes de las esculturas restantes del templo al inglés Lord Elgin. Estas esculturas fueron retiradas por la fuerza, vendidas al Museo Británico y llamadas Mármoles de Elgin. Grecia ha pedido al Museo Británico que devuelva las esculturas, pero los británicos se han negado a hacerlo.
Pericles, probablemente el mayor estadista ateniense de todos los tiempos y el primer ciudadano de la ciudad, fue quien se inspiró para construir el Partenón.
Durante el período clásico, no sólo el Partenón sino también el Erecteion y el Templo de Nike (sí, la diosa de la victoria que inspiró la ropa deportiva de Nike) se construyeron sobre las antiguas ruinas de la Acrópolis.
Aparte de estas estructuras, otro monumento importante que se encuentra al pie de la Acrópolis es el «Teatro de Dionisio«, considerado el primer teatro de la historia.

Nuevas tendencias en el mundo del arte

by admin | 5:04 pm

¿Qué es el arte?, se podría preguntar uno, al estilo de esos filósofos clásicos que se pasaban el día haciéndose preguntas hipotéticas y espirituales, y luego dándose la respuesta ellos mismos (no debían tener mucho más que hacer, los pobres). La réplica literal a esta cuestión sería: «Actividad en la que el ser humano recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido.» De nuevo, para uno de esos antiguos, sería una definición perfecta, en la simplicidad de su época; ahora, sin embargo, hay que estirar la respuesta un poco más.

Porque un día alguien dijo que el arte está en los ojos del que lo ve; es decir, que la expresión artística, sea por la vía que sea, no parte del creador, sino del que la recibe e interpreta. Quiere decir que, si a cualquiera se le ocurre hacer un garabato en un papel, y a otro le parece que le inspira belleza, estamos ante un artista que ha creado una obra de arte. Y eso, amigo mío, complicó todo, porque convirtió esta disciplina en algo subjetivo. A partir de ahí se acabaron las normas, los cánones y todo resquicio de disciplina, aunque en ese momento nadie se percatara de ello. Porque, aparte de unas cuantas nociones básicas, ¿qué se podría enseñar como una lección absoluta, si el resultado dependía del público y no del autor?

Es por eso que ahora tenemos lo que llamamos el «arte fusión» o «arte alternativo«; que no es más que coger una disciplina artística (música, pintura, escultura, cine o fotografía) y realizarla al completo libre albedrío del autor. Porque, como ya he dicho, si encuentra un público al que inspire cualquier cosa, eso ya será una obra de arte hecha por un artista. En nombre de esta libertad artística, también se permite de todo en estos tiempos, ¿o no has oído la frase «no se puede censurar el arte»? Totalmente de acuerdo en que la censura no lleva a nada bueno, y que debemos ser libres para expresar todo lo que salga de nuestra mente y espíritu; pero acuérdate que tu libertad acaba cuando empieza la de otro.

En fin, que la definición de arte ha quedado bastante desvirtuada de lo que era en un principio, y eso tiene cosas buenas y cosas malas. Por ejemplo, fue así que la pornografía llegó a la categoría de cine y, por ende, de expresión artística, mal que le pese a muchos. Ahora queremos demonizarla, pero incluso a una sociedad tan reprimida hasta hace nada como la española no le ha quedado más remedio que adaptarse a las nuevos tiempos y a esta clase de arte. El porno español no es una industria muy desarrollada en nuestro país, es cierto; pero en las últimas década han sonado nombres españoles en la industria pornográfica internacional. Y qué decir de los actores y actrices españoles que acaparan las webs porno, llenas de videos y fotos xxx, y que tienen millones de seguidores en todo el mundo. Si nos atenemos a la definición de arte alternativa, no puede ser más exacta, porque toda esa gente considera que los videos porno le generan bellos sentimientos… y otras cosas más.

Además, el trabajar en la industria pornográfica no tiene por qué cerrarte puertas, ni evitar que puedas hacer carrera en otro sector artístico. Por cierto, ¿consideramos a las webcamers, youtubers, tiktokers e instragramers unos artistas, o solamente creadores de contenido? Cuidado, porque millones de seguidores avalan sus videos. Y en este sentido, los hay que pueden alternar con total soltura varias ocupaciones en su vida; como Cecilia Sopeña, una actriz porno española, que a sus treinta y pocos años ha sido también tiktoker, ciclista de competición y hasta profesora de matemáticas; además de eso, incluso tuvo tiempo para ser madre, seguramente la mejor y más importante de sus ocupaciones. ¿Acaso alguien duda de que esta mujer es una verdadera creadora de obras de arte?

La tradición musical de Azerbaiyán

by admin | 11:33 am

Ninguna forma de música toca más el corazón de los azerbaiyanos que el sonido de Mugham. Esta tradición musical centenaria se basa en el folclore y las historias orales transmitidas de generación en generación, creando un sonido único y »melancólico».

El Mugham azerbaiyano se caracteriza por un alto grado de improvisación y se basa en melodías, ritmos y técnicas de interpretación populares de los bardos.

Como el Mugham es improvisado por naturaleza, no se transcribe de forma fija. Por lo tanto, los maestros de este arte capacitan a los estudiantes en el arte de la interpretación para asegurarse de que aprendan la variedad de su expresión artística.

Las representaciones modernas de Mugham reflejan diferentes períodos en la historia de Azerbaiyán y su contacto con pueblos de otras culturas y países.

La singularidad del Mugham es que es una improvisación dentro del sistema. Un intérprete sigue su imaginación artística no de manera espontánea o impulsiva, sino moviéndose en un tema dado y en un modo dado, apoyándose en tradiciones establecidas. Un vocalista en mugham se llama khanende, un trío de sazandas es responsable de la parte instrumental: un tarist, un kamanchist y un daf-player, pero a veces khanende toca un daf (una especie de pandereta) él mismo. Todavía hay una versión completamente en solitario.

El kamancha, el gaval y el alquitrán son los tres instrumentos clave utilizados en Mugham. El kamancha es un violín con púas de cuatro cuerdas; el gaval es una especie de pandereta grande. El alquitrán es un laúd de cuello largo, que todavía se fabrica hoy de la misma manera que se ha hecho durante generaciones; el cuerpo está hecho de una pieza sólida de madera.

En 2003, la UNESCO agregó el Mugham de Azerbayán a su lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, asegurando que este arte cautivador y único continuará inspirando a músicos y oyentes de todo el mundo.

El origen de Halloween y sus símbolos

by admin | 8:09 pm

A los estadounidenses les encanta Halloween: los dulces , los disfraces y la decoración espeluznante . Pero por muy querida que sea la festividad en los Estados Unidos, no se originó allí. De hecho, la historia de Halloween se remonta miles de años a la celebración celta de Samhain, una fiesta que marcó el final de la cosecha y el inicio de un nuevo año. También se decía que el día era un momento en el que el velo entre los vivos y los muertos era más fino, y cuando los humanos podían comunicarse con los que estaban más allá de la tumba.

Además de honrar a los muertos, los celtas también creían que la presencia espiritual en Samhain hacía más fácil para los sacerdotes celtas predecir el futuro. Encenderían hogueras y quemarían cultivos y animales como sacrificios a los dioses celtas. Los aldeanos asistían a la hoguera vestidos con disfraces de cabezas y pieles de animales.

Hoy en día, muchos de nosotros asociamos los murciélagos con Halloween, y probablemente lo mismo sucedió hace siglos también. Cuando los celtas encendían hogueras, las hogueras atraían insectos y los insectos atraían murciélagos. En años posteriores, surgieron diversos folclore que citaban a los murciélagos como presagios de muerte o perdición.

Los romanos conquistaron la mayor parte del territorio celta en el año 43 d.C. y trajeron consigo sus propias fiestas de otoño; su celebración de octubre llamada Feralia también conmemoró el fallecimiento de los muertos.

Avanzamos unos siglos y llegan aún más cambios. Varios papas cristianos intentaron reemplazar las fiestas «paganas» como Samhain con eventos de su propio diseño. Para el año 1000 d.C., el Día de los Difuntos, el 2 de noviembre, sirvió como un momento para que los vivos oraran por las almas de los muertos. El Día de Todos los Santos, asignado al 1 de noviembre, obviamente honraba a los santos, pero también se llamaba All Hallows en inglés. Eso hizo que el 31 de octubre fuera la víspera de Todos los Santos, All Hallows Eve, y más tarde Halloween.

A pesar del nuevo enfoque religioso, la gente en la Vieja Inglaterra e Irlanda continuó asociando la fecha con los muertos errantes. Establecían regalos de comida para complacer a los espíritus y, a medida que pasaba el tiempo, la gente se vestía con disfraces atemorizantes a cambio de golosinas, una práctica llamada «mumming«, que es similar al «truco o trato» de hoy.

Las primeras celebraciones similares en América surgieron predominantemente en las colonias del sur; la gente celebraba la cosecha, intercambiaba historias de fantasmas e incluso contaba la suerte de los demás. La festividad realmente comenzó a despegar a mediados del siglo XIX, cuando una ola de inmigrantes irlandeses abandonó su país durante la hambruna de la patata. Popularizaron la celebración a nivel nacional con sus nuevas supersticiones y costumbres, como el Jack-o’-lantern (la famosa lámpara de calabaza); si bien los niños aún no jugaban a «truco o trato», sí hacían muchas bromas y travesuras.

A fines del siglo XIX, más comunidades presionaron por un conjunto de rituales seculares. La gente comenzó a celebrar fiestas de Halloween que enfatizaban los juegos , la comida de otoño y los disfraces basados en la brujería y los troublemakers (alborotadores).

Unos le llaman arte, y otros obscenidad…

by admin | 7:30 pm

La pintura, como una de las artes en las que el sentido de la vista y la plasmación de imágenes es indispensable, ha sido durante toda su existencia motivo de controversia; a pesar de trabajar con algo objetivo hasta la llegada del surrealismo y todas las corrientes pictóricas extravagantes del siglo XX, siempre fue el fondo, que no tanto la superficie, lo que no dejó de provocar discrepancias entre los críticos y el público en general.

Pasamos de aquellas primeras pinturas rupestres, que parecían contar historias mucho más ricas que lo que sugerían a primera vista sus primitivas imágenes. Después, Egipto, Grecia y Roma en occidente plasmaban en sus murales crónicas religiosas, o escenas de sus vidas diarias; y en oriente, chinos, japoneses e hindúes hacían lo propio en sus papiros, creando verdaderas obras de arte que han llegado incluso hasta nuestros días. Después los diferentes estilos artísticos hicieron también mella en la pintura de todo el mundo, hasta llegar a los últimos siglos, en los que el arte ha evolucionado tan rápido y ha cambiado tanto como la sociedad en general.

Y bien, la pregunta más grande que se ha dado nunca en el mundo de la pintura, sobre todo en el último centenar de años, ha sido esta: ¿Arte o pornografía? Las pinturas eróticas, no nos engañemos, han ido de la mano en la historia del arte junto a la de la pintura convencional, sea lo que sea lo que significa eso. El erotismo, como ya hemos dicho anteriormente, ha sido siempre una fuente de inspiración para todos los artistas, y ya desde los albores del arte de la pintura se vio plasmado en todas sus manifestaciones. Sin embargo, lo que por aquellos entonces se consideraba algo natural, con obras de arte como los mosaicos romanos y el famoso libro ilustrado del Kamasutra, de pronto se convirtió en algo obsceno, gracias a la influencia de las religiones monoteístas.

Y la cosa fue a más, de hecho eso incluso acompañó a los pintores hasta hace muy poco tiempo, no han podido librarse de ello. Así, esas pinturas, o ya que vamos, esas películas, fotografías, o ilustraciones, con chicas desnudas, ¿son arte, erotismo o directamente porno? ¿Y hay alguna diferencia entre erotismo y pornografía? Bien, en la teoría sí, pero ¿y en la práctica? Puede parecernos una tontería cuando estamos en una época en la que la gran mayoría de la población vive enganchada a internet y a sus webs para adultos, pero la cosa es tan seria, que aún hoy se censuran exposiciones eróticas, por considerarlas obscenas y del todo inadecuadas.

¿Hipocresía, puritanismo, distorsión de la realidad, o directamente poca comprensión de los conceptos exhibidos en estas obras de arte? Según los artistas y algunos entendidos, decididamente pasa lo último. La diferencia entre erotismo y pornografía está más en la mente del que ve la obra, que incluso en la del creador de la misma. Y así, lo que a unos puede causar admiración por que unos desnudos puedan ser tan hermosos y despertar los sentidos, a otros los pone directamente cachondos. Nadie puede controlar la habilidad de los primeros, y tampoco la reacción de los segundos, así que, según los expertos, más que censurar una obra se debería establecer a qué franja de edad puede estar dirigida. Porque delimitar el arte en base a unas creencias que ahora nos parecen muy válidas, pero que sabemos que tiempo atrás no importaban un ardite, debería al menos ponernos a pensar.

Y por cierto, si a eso vamos, ¿quién tiene el derecho de censurar una obra por considerarla obscena, directamente pornográfica? Puesto que nadie tiene la razón universal en este tema, esa decisión es cuando menos arriesgada, aunque seguramente no hemos terminado de ver esa clase de situaciones, ni lo haremos en un futuro próximo.

Erotismo y sexualidad en todo tipo de artes

by admin | 8:07 pm

Hay por ahí un dicho que sostiene que el arte sale del alma, que no es más que la expresión de algún sentimiento humano que, por un momento, ha salido de la mano del artista y lo ha plasmado en una obra real y tangible. Yo no sé si podría llamársele así, aunque encuentro mucho sentido en esto que lees; sin embargo, a poco que uno se dedique a leer sobre el mundo artístico, se da cuenta de que hablamos sobre una mezcla del mundo terrenal y del espiritual, y que a veces es difícil marcar una línea.

Por ejemplo, leí el otro día un interesante artículo sobre la pornografía en la arquitectura, escrito por un arquitecto para más inri, que sin duda ha debido escarbar en su trabajo y pensarlo mucho antes de tratar sobre un tema así. Y es que este profesional va mucho más allá de eso de «el arte imita la vida«, porque asegura que en su campo, a veces se usan ciertos efectos que acaban por convertirse en hábitos, y que acaban llevando a los clientes a experimentar una especie de fantasía porno, donde todo es perfecto y parece que se ajusta al mílimetro a sus gustos y necesidades, incluso hasta creando una cierta excitación que puede muy bien confundirse con el placer sexual.

Bien, es como tener una propia zona porno gratis, por más que esto suene a emular a las numerosas webs de videos xxx y fotos eróticas o pornográficas, que se quedan con una buena parte del visionado de la gente en internet. Porque, otra cosa, es que la pornografía sea considerada o no un arte, aunque parece que el acceso a ella desde internet la haya desvalorizado mucho, tanto por su fácil disfrute como por la cantidad y la calidad. Por ejemplo, el porno amateur, aunque parece que cada vez disfruta de más adeptos, claramente ha conducido a que las películas para adultos no se consideren ni siquiera un trabajo de primera, ya que parece demostrar que cualquiera, con una cámara y muchas ganas de ser exhibicionista, puede hacer un video porno sin mayores complicaciones. Así que, claramente, ya nadie piensa en ello como una manifestación artística, como comprenderás.

Sin embargo, no se puede negar que la sexualidad y el erotismo siempre han formado parte de nuestra propia naturaleza. ¿Acaso los escultores de la antigüedad no insistían en esculpir cuerpos desnudos, pensando que representaban la perfección del universo? Y por mucho que lo hicieran con fines artísticos, nótese que lo hacían ajustándose a los cánones de belleza del momento; vamos, que consideraban que sus estatuas eran hermosas porque mostraban cuerpos hermosos, y claramente sentían cierta excitación hacia esa belleza estática. ¿Y acaso no se podrían considerar que eran un poco pornográficas? Y lo mismo con las pinturas de desnudos de siglos después, que por mucho que clamaban por el sentido artístico para poder evadir la censura de las distintas épocas, pues no nos engañemos: se tiraba de hombres y mujeres desnudos para atraer la atención sobre la obra, y verla provocaba un placer que podía ser espiritual, pero también sensorial.

Y eso que no todo pasa por el ojo, no te vayas a creer. ¿Sabes ese género que llaman novela erótica? Puede que casi sea lo más parecido a la pornografía, sólo que en este caso el único órgano que usas es la mente. Todas las palabras que lees tienen que ser capaces de crear en tu cabeza las imágenes más sensuales y sexuales, que llegan al punto de excitar tu líbido, sin que en realidad haya nada físico a lo que atenerse. Sería algo así como disfrutar del porno, pero de una manera más refinada, incluso más intelectual si lo quieres así. Pero, de nuevo, estamos ante una manifestación artística… y una vez más, buscamos imitar a la vida con el arte.

Arquitectura barroca y sus ejemplos mundiales

by admin | 6:57 pm

La arquitectura barroca es uno de los estilos arquitectónicos más bellos de la historia y se convirtió en uno de los estilos arquitectónicos más llamativos de finales del siglo XVI. Esto fue especialmente así en países como Italia, España, Portugal, Hungría y Francia, donde a menudo se usaba para demostrar el triunfo de la Iglesia Católica y se asociaba directamente con el período de la Contrarreforma.

No te pierdas todas estas bellas construcciones representativas de este estilo repartidas por diferentes países:

Iglesia de Peregrinación de San Juan de Nepomuk: Construida en la República Checa entre 1719 y 1722 y diseñada por Jan Santini Aichel. Se basa en el concepto estético de un complejo central perfecto caracterizado por su elevada elevación y orientación hacia arriba.
Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes: Construida en Roma entre 1665 y 1676 y diseñada por Francesto Borromini. Se considera una obra maestra icónica de la arquitectura barroca debido a su diseño extraordinariamente complejo.
Iglesia de los Santos Pedro y Pablo: Construida en Cracovia entre 1597 y 1619 y diseñada por Giovanni Maria Bernardoni. Fue la primera iglesia barroca en Cracovia y sigue siendo uno de los ejemplos más fieles de trasplantar la arquitectura barroca de Roma al suelo de otros paises; se caracteriza por su fina fachada blanca ornamentada y su gran cúpula.
Palacio Wallenstein: Construido en Praga entre 1623 y 1630 y diseñado por Giovanni de Galliano Pieroni, Andrea Spezza y Niccolo Sebregondi. Fue construido para Albrecht Vaclat Eusebius de Wallenstein, uno de los nobles checos más poderosos y ricos durante el período posterior a la montaña blanca en la República Checa.
Palacio Branicki: Construido en Bialystok, Polonia, entre 1691 y 1697 y diseñado por Tylmn Gamerski. Conocida como la residencia aristocrática mejor conservada de la época sajona,es ampliamente considerado como uno de los edificios históricos más atractivos de Bialystok, ya que su diseño evoca a los palacios barrocos de los reyes franceses.
Palacio Peterhoff: Construido en San Petersburgo entre 1721 y 1755 y diseñado por Bartolomeo Rastrelli. Es una obra maestra del estilo arquitectónico barroco, y se considera como la pieza central de la Versalles rusa de Pedro el Grande. Largo y estrecho, su estilo barroco dio paso al neoclasicismo, caracterizado por su decoración minimalista.
Palacio de La Granja: Construido en Madrid entre 1720 y 1740, y diseñado por Teodoro Ardemans y Filippo Juvarra. Solía ser la residencia de verano de los reyes de España. Este palacio del siglo XVIII tiene un estilo barroco sobrio y está rodeado de magníficos y amplios jardines al estilo francés y fuentes escultóricas.
Schloss Bensberg: Construido en Bensberg, Alemania, entre 1703 y 1711, diseñado por Mateo Alberti. Actualmente alberga un hotel de 5 estrellas del Grupo Althoff Hotels. Este palacio fue originalmente encargado por Johann Wilhelm para su esposa Anna Maria Luisa de Medici, quien quedó encantada en el paisaje elevado del sitio.

Grandes compositores de todos los tiempos

by admin | 12:31 pm

Si no fuera por la música, sin duda tendríamos una existencia muy aburrida. La forma en que afecta las emociones, los estados de ánimo y transmite ideas lo convierte en un medio poderoso e íntimo. Nos identificamos con la música, nos ayuda a ver las cosas desde un ángulo diferente. A través de ella, naturalmente sentimos una conexión con los compositores que lo escribieron.

Aunque todos tenemos nuestros gustos personales, hay algunas piezas y géneros que trascienden el resto. Como hablamos de una de las artes más antiguas practicadas por el hombre, la historia de la música es amplia y variada, pero pueden resaltarse algunas figuras que realmente han sido maestros en su género y en su época:

Wolfgang Amadeus Mozart: Nacido en Austria el 27 de enero de 1756, Mozart fue un músico maravilloso, capaz de aprender cualquier canción en 30 minutos. Escribió su primera ópera a los 11 años. Como se puede imaginar, conoció un gran éxito como compositor y creó todos los estilos y tipos de música de su tiempo. Incluso después de varios siglos, su música sigue siendo ampliamente alabada y celebrada.
Antonio Vivaldi: Al igual que Mozart, Vivaldi murió en la pobreza, en una tumba sin nombre. Ambos compositores fueron similares en cómo lograron la grandeza en su composición y popularidad, pero no lograron asegurar su grandeza financiera.
Franz Joseph Haydn: Este compositor austríaco jugó un papel importante en la creación de música clásica durante su tiempo. Compuso 106 sinfonías y proyectó una larga sombra para que vivieran otros compositores. Uno de sus alumnos más famosos fue, de hecho, Beethoven.
Ludwig van Beethoven: Beethoven quedó sordo a principios del siglo XIX; aparentemente, no siempre podía escuchar lo que tocaba. Después de 1819, todas las conversaciones con él tuvieron que ser por escrito.
Carl Nielsen: Sin lugar a dudas, el compositor más famoso de Dinamarca, aunque no muy conocido internacionalmente; creció pobre en una familia numerosa en el siglo XIX y desarrolló un talento para la música a una edad temprana. En sus composiciones, fue en contra de sus raíces y agregó sabores extranjeros y románticos a su música.
Johannes Brahms: Compositor alemán nacido a principios del siglo XIX, se convirtió en uno de los mejores artesanos musicales de todos los tiempos. Escribió cuatro sinfonías que se encuentran entre el repertorio más grabado de la historia.
Frederic Chopin: Como pianista, Chopin se ubicó entre los mejores artistas de su época, como Kalkbrenner, Liszt, Thalberg y Herz; sin embargo, siempre huía de las apariciones públicas en su vida privada.
Franz Schubert: Este compositor austríaco es considerado el último de los compositores clásicos y los primeros románticos. También recibió elogios por ser el mejor compositor de todos los tiempos, notable por la melodía y la armonía en su música.
Richard Wagner: Compositor del siglo XIX en Alemania, Wagner compuso muchas piezas para la ópera. Su primer éxito oficial fue «Tannhäuser», y a pesar de su personalidad supuestamente poco amable, logró escribir la obra maestra más famosa de la historia de la ópera: «El anillo de los Nibelungos».
Johann Sebastian Bach: Compositor alemán del siglo XIX, perfeccionó todos los estilos de música que existían en su época. Es conocido principalmente por los «Conciertos de Brandenburgo» y las «Variaciones Goldberg», además de «La Pasión de San Mateo» y la «Misa en si menor». Hay pocos compositores que coincidan con su habilidad y genio.
John Williams: Un compositor que necesita poca presentación hoy. Ha creado muchas piezas notables y reconocibles en la historia moderna. Williams se ubica por encima de Mozart simplemente porque es más reciente, relacionado con los tiempos modernos, y escribió la puntuación de película más taquillera para la película «Star Wars».
Ennio Morricone: Conocido originalmente por su trabajo en las películas de Spaghetti Western, ha forjado una prolífica carrera escribiendo partituras para todos los géneros de películas imaginables. Aunque nunca tuvo un gran éxito como la partitura de John William para «Star Wars», ha sido nombrado el compositor de bandas sonoras de películas más exitoso de la historia.